シネマトグラフィック写真

この傾向が目立つようになるのは1970年代末以降、現代写真が映画・テレビ・広告の視覚コードを積極的に参照しはじめてからである。ジェフ・ウォール、グレゴリー・クリュードソン、フィリップ＝ロルカ・ディコルシアなどの作品では、人物の配置、人工光、色温度、視線のずれが、何かが起きた直後あるいは直前のような緊張を作る。^*1

ジェフ・ウォールの光箱は絵画史と都市の一場面を同じ画面に収め、フィリップ＝ロルカ・ディコルシアは街頭やポートレートを「映画の一コマのように見えるが実際には前後を欠いた写真」へ変え、グレゴリー・クリュードソンは撮影隊と照明装置を使って郊外の夜を巨大な静止劇として構築した。^*6

この傾向はステージド写真やピクチャーズ世代ともつながるが、引用や批評より、観客の知覚の中で時間を立ち上げることにより重点がある。批判としては、映画的な気配が過剰に洗練されると、社会的文脈よりスタイルの魅力が前面に出てしまうことがある。^*8

決定的瞬間が一点の時間の凝縮であるなら、こちらは前後に開いた場面の余白を一枚へ留める方法として対照的に読める。^*9

ステージド写真が写真の真実性を演出によって問い返す広い実践だとすれば、シネマトグラフィック写真はそのなかでも時間の前後や場面の未完性を強く意識する。ピクチャーズ世代や大判カラー写真と並べると映画との距離の取り方の違いが見えてくる。^*11