カラー写真

写真の発明直後から、人びとは色の欠如を補おうとしてきた。手彩色の肖像や風景は写真の現実感に絵画的な魅力を重ねる方法で、20世紀に入るとオートクロームやカラーフィルムが普及し、雑誌、広告、家庭用スナップの領域では色が急速に広がった。しかし「商業的」「派手」「記録として軽い」という偏見が長く残った。^*2

転換点の一つが1970年代のニューカラーである。ここでカラーは、雑誌的な鮮やかさではなく、日常や郊外、人工照明、包装材の質感を読み取るための批評的な言語として扱われ、美術館での評価が一気に変わる。ソール・ライターの早いカラー実験が都市の親密な偶然を引き寄せ、のちにエグルストンやショアが日常と郊外を正面から扱えたのも、色が商業の属性ではなく経験の質そのものを運ぶと理解されたからだった。^*7

カラーが長く広告、観光、家庭アルバムと結びついてきたため、美術写真としての受容には階級的な偏見も介在していた。のちのマーティン・パーのように、その商業的で俗っぽい見え方自体を利用して社会批評を行う実践は、この長い偏見の裏返しとして理解できる。^*13

カラーが美術館で長く周縁に置かれた理由は、技術の未熟さだけではない。雑誌広告、旅行写真、家庭アルバムといった大量消費のイメージと強く結びついていたため、色は高級な芸術写真にふさわしくないという偏見を背負わされた。つまり問題は画質ではなく、どの社会階層の視覚と結びついていたかでもあった。^*10

ニューカラーはカラーが美術写真の中心へ入る転換点、大判カラー写真は色と巨大な展示空間の結びつきである。カラー写真のページでは、その前提となる長い技術史と価値づけの歴史を土台から押さえることができる。^*13